¿Alguna vez te encontraste con un diseño que a simple vista parecía sencillo y pensaste “eso podría hacerlo yo mismo”?
Sin embargo, cuando intentas hacerlo, no logras una versión profesional, a pesar de tus esfuerzos. ¿Por qué?
Resulta que los diseñadores gráficos profesionales tienen algunos ases bajo la manga para hacer que sus trabajos tengan un aspecto (valga la redundancia) totalmente profesional. Aunque cuenten con las asombrosas herramientas gratuitas que existen hoy en día para aquellos que quieren ser diseñadores gráficos, los aficionados no tienen los conocimientos fundamentales necesarios para crear diseños con una línea pulida coherente.
Para ayudarte, hemos reunido una lista de siete elementos básicos del diseño gráfico. No se trata de un curso de diseño gráfico, sino de la comprensión fundamental de estos siete elementos básicos que pueden estimular tus habilidades de creación de contenido y mejorar tu capacidad de transmitir tus preferencias de diseño en caso de que decidas contratar a un profesional.
7 Elementos básicos del diseño gráfico:
Color.
Líneas.
Escala.
Forma.
Alineación.
Contraste.
Espacio.
Examinaremos en detalle estos siete elementos; abordaremos qué significan, por qué son importantes y cómo se deben usar para crear diseños de aspecto más profesional, incluso cuando no se cuente con el presupuesto necesario.
7 elementos básicos del diseño gráfico
1) Color
Isaac Newton es mundialmente reconocido por crear el primer círculo cromático en 1706. Según la historia, Newton tomó el espectro de colores producido cuando la luz atraviesa un prisma (rojo, naranja, amarillo, verde, azul, índigo y violeta) y los ordenó en un círculo segmentado. Al girar rápidamente el círculo en un disco rotativo, los colores se mezclaban y se convertían en blanco a la vista del ojo humano.
A continuación, podrás darte una idea de cómo apareció el círculo cromático de Newton. Esta versión de 1708 fue ilustrada por un pintor francés, llamado Claude Boutet, y hace referencia a la investigación de la teoría del color de Newton.
A lo largo de los años, diferentes científicos, artistas y filósofos adoptaron y profundizaron el sistema de categorización visual de colores de Newton, lo que derivó en el círculo cromático que conocemos hoy en día.
El círculo cromático moderno se compone de tres colores primarios (rojo, amarillo y azul), que teóricamente se pueden mezclar en diferentes proporciones para producir colores secundarios e intermedios. Si bien los estudios modernos demuestran que, en realidad, la teoría del color es un poco más complicada que eso, el círculo cromático sigue siendo una herramienta valiosa para los diseñadores gráficos que buscan combinaciones de colores estéticamente agradables.
Cuando debas seleccionar tonos para un proyecto, considera los colores que aparecen totalmente enfrentados o uno al lado del otro en el círculo cromático, ya que estos suelen producir las combinaciones más agradables. También puedes considerar usar una herramienta en línea gratuita para la elaboración de esquemas de colores, como ColorSchemer, la cual te facilitará el trabajo.
Color en acción:
Este caso de ∆ Studio–JQ ∆ es un excelente ejemplo de esquemas de colores gratuitos puestos en acción. Al combinar violeta y amarillo, colores que aparecen totalmente opuestos en el círculo cromático moderno, se logra un efecto intenso y muy atractivo visualmente.
2) Línea
Las líneas no solo son separadores. Las líneas adecuadas pueden implicar movimiento y emociones, lo que permite unificar una composición y lograr una apariencia profesional.
Rikard Rodin, diseñador gráfico y blogger con más de 15 años de experiencia en el área del diseño, explica que las líneas pueden formar la arquitectura subyacente de un proyecto. La definición de una línea de movimiento en una composición antes de comenzar puede ayudar a crear un diseño que realmente refleje el ánimo deseado.
“Puedes usar las líneas de ánimo en prácticamente todos los elementos de tu diseño”, escribió Rodin en su blog. “O bien puedes contraponer líneas de diferentes ánimos en distintas partes de tu diseño para crear un diseño con más capas. Considera, por ejemplo, la línea de ánimo ‘ESTABLE’. Puedes usarla para determinar la disposición de elementos. Puedes usarla en la fotografía. Y además, puedes usarla en la selección de fuentes”.
Las líneas de ánimo no tienen que verse en la composición final, sino que pueden ser una simple guía que estructure y oriente tu trabajo. Por supuesto que las líneas también se pueden incorporar visiblemente en el diseño final.
Línea en acción:
El diseñador Alexander Koltsov y los expertos de Shuka Design crearon esta impresionante identidad visual para el campeonato mundial de ajedrez de 2016 en la ciudad de Nueva York. El equipo utilizó unos espirales asimétricos de líneas superpuestas muy útiles para representar “el proceso mental de un jugador de ajedrez”
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3) Escala
La escala de los diferentes elementos de un diseño ejerce un gran impacto en la forma en que el público ve y le encuentra sentido a una composición. Al jugar con el tamaño relativo de los diferentes componentes de un diseño, se puede definir un punto de foco, resaltar áreas importantes y, en última instancia, guiar la mirada de los espectadores en el recorrido de la obra.
La escala no es exactamente lo mismo que el tamaño (aunque muchas personas tienden a usar estos términos indistintamente al hablar de diseño, como cuando piden “hacer un logotipo más grande”). El tamaño hace referencia a una medida absoluta (por ejemplo, la hoja de papel de 8 pulgadas por 11 pulgadas), mientras que la escala hace referencia a la relación directa entre los elementos de un diseño (por ejemplo, el círculo es dos veces más grande que el cuadrado).
Se puede usar la escala para crear una jerarquía visual para un diseño. Cuando se muestra un elemento en una escala relativamente más grande que otros elementos de una composición, nuestra mirada se dirige naturalmente hacia allí.
Escala en acción:
Para crear una sensación de drama e importancia, el diseñador gráfico de Nueva York Aurelio Sánchez Escudero utiliza una escala de alto contraste entre los elementos de estos materiales promocionales para la semana de innovación social en San Francisco. 
4) Forma
Las formas no son solo para los alumnos de preescolar. Una forma se puede explicar en líneas generales como cualquier cosa que está definida por límites. Hay dos categorías de formas que se deben considerar: las formas geométricas, que se definen en proporciones uniformes perfectas (como un círculo, un cuadrado o un triángulo) y las formas orgánicas, que tienen bordes menos definidos y proporciones fluctuantes y, esencialmente, no tienen reglas (como las cosas onduladas o con forma de gota, que no se ajustan a ninguna categoría real). 
Cuando trabajes en un diseño, ten en cuenta tanto las formas que estás decidido a incorporar (formas positivas) como las que se crean naturalmente alrededor de esas otras formas (formas negativas).
El ejemplo más famoso que ilustra la diferencia entre las formas positivas y negativas probablemente sea la copa de Rubin. En 1915, el psicólogo danés Edgar Rubin diseñó esta ilusión óptica, que hoy en día es muy popular, para mostrar cómo se pueden ver dos imágenes completamente diferentes según se miren las formas negativas o las formas positivas.
Forma en acción:
Un simple círculo siempre ha sido una forma popular y confiable para mostrar información en una composición limpia y unificada. La agencia de Sydney Made Somewhere desarrolló este logotipo sencillo y moderno para Hidden Gems of Sydney, un blog cuyo fin es destacar las atracciones locales del área.
5) Alineación
Piensa en la alineación como en un eje invisible que atraviesa los elementos y los conecta visualmente, ya sea por sus bordes o sus centros (consulta la imagen a continuación).
La alineación es un tema que surge con más frecuencia cuando los diseñadores debaten sobre texto y tipografía, pero es igual de importante considerar la alineación de elementos que no sean texto para crear una composición equilibrada y ordenada.
El ejemplo anterior ilustra una alineación de bordes y centros uniformes, pero eso no significa que todos los elementos de una composición siempre deban seguir un mismo patrón de alineación. En la siguiente imagen, se puede ver que los elementos están alineados por sus bordes, pero no están unidos por ningún eje.
Alineación en acción:
Oscar Riera Ojeda Publishers diseñó esta tapa minimalista para el libro Chasing the Sky, una obra en la que se honran las carreras de diferentes arquitectas influyentes. La tipografía del título se alinea en torno a una forma geométrica.
6) Contraste
El contraste hace referencia a la yuxtaposición de elementos claramente diferentes entre sí (grande vs. pequeño, luz vs. oscuridad, etc.) para crear un interés visual o atraer la atención hacia determinados elementos.
Sin contraste, nuestros diseños no solo son apagados y aburridos, sino también difíciles de entender. La falta de contraste suele ser lo que diferencia un trabajo de diseño mediocre de los diseños de aspecto profesional, pulido y claro.
Considera las siguientes imágenes como ejemplos: en la imagen de la izquierda, no hay suficiente contraste entre la foto de fondo del hombre que está trabajando en un escritorio y el texto blanco. No resulta agradable a la vista y el mensaje es difícil de comprender. En la imagen de la derecha, se oscureció el fondo para crear más contraste y facilitar la lectura del texto.
Contraste en acción:
El equipo de Barcelona toormix demuestra su gran experiencia en la combinación de distintos contrastes en el diseño del póster para la semana de diseño de 2016 en Barcelona.
7) Espacio
El espacio es exactamente lo que parece: las áreas vacías entre los elementos de un diseño. Cuando se trata de crear diseños propios de aspecto profesional, a veces, lo que no se incluye es tan importante como lo que sí se incluye.
Al trabajar en un diseño, considera no solo los elementos que incorporas (como las imágenes y el texto), sino también cómo los ordenas y los agrupas en la composición. Puede resultar tentador rellenar cada una de las pulgadas de tu lienzo digital, pero intenta dar cierto espacio a los elementos para que respiren.
En el siguiente ejemplo, se puede ver cómo el cambio de espacio y de agrupación de los elementos crea una sensación completamente diferente en la composición. A la izquierda, el espacio uniforme entre los elementos crea una sensación de orden y seguridad. A la derecha, los distintos espacios entre los elementos crean una sensación de desorden y confusión.
Espacio en acción:
En este póster del diseñador Jonathan Lawrence, el texto “March Madness” aparece escrito con un espaciado poco convencional, lo que genera un interés visual inesperado que no se lograría de otro modo, con un diseño minimalista.